“Home sweet home” es un proyecto realizado por Zaunka en colaboración con las artístas británicas Sarah Colson y Anna Batchelor y con el apoyo de Shopwork.

“Home sweet home” Toma como punto de partida el trabajo documental que Colson y Batchelor han desarrollado durante los últimos dos años en el sur de Londres. “Ferrier State” es una gran construcción de vivienda social levantada a finales de los sesenta. Este tipo de construcciones sociales está siendo demolido para dar paso a una reurbanización con fines claramente comerciales. Los habitantes de este barrio se han sentido forzados a abandonar sus casas debido a la presión que el ayuntamiento está ejerciendo sobre ellos, una presión que roza el acoso.

Algunas familias se resisten a abandonar Ferrier State, pero la vida alli se está convirtiendo en una auténtica pesadilla.

HOME SWEET HOME from zaunka on Vimeo.

“Home Sweet Home” is a collaborative project made with British Artist Sarah Colson and Anna Batchelor and with the support of Shopwork.

The documentary film is based on a project that Batchelor and Colson have been working on over the last two years inspired by the regeneration of the Ferrier estate in South London. The Ferrier estate is a sprawling council housing estate that is being demolished to make way for a new more upmarket development. As a result of the redevelopment the residents of the Ferrier have been forced to leave their homes and relocate across the borough. For the few families left on the estate, still waiting to be rehoused, life has become very difficult.

Zaunka colabora de nuevo con AMASTE, en su proyecto TERRITORIO MÓVIL,un programa en el marco de las actividades impulsadas por Donostia – San Sebastián 2016, dirigido a fomentar la cultura audiovisual y los lenguajes transmedia. Pretende fomentar un uso consciente, crítico y creativo de las nuevas tecnologías entre la ciudadanía, poniendo a su disposición herramientas, metodologías y conceptos relacionados con la producción y difusión de información y contenidos audiovisuales y digitales.

La presentación del “Decálogo de edición avanzada de vídeo amateur” sirve para iniciar este programa. El Decálogo incluye 10 videotutoriales con una serie de ideas sencillas para adentrarse en el mundo audiovisual, desde una perspectiva “hazlo tú mismo”, con elementos cotidianos: construir un trípode con una botella de plástico, una grúa con una escoba para grabar desde el aire, una dolly con una bicicleta para hacer travellings o una snorry-cam para grabar escenas subjetivas, alternativas caseras para iluminar la escena, sin olvidarse de la banda sonora o los créditos. Desde el ABC de la edición de vídeo, hasta algunos trucos más espectaculares, propios de producciones cinematográficas profesionales. Todo ello al alcance de usuarios amateurs, utilizando el teléfono móvil –un potente dispositivo multimedia que llevamos en el bolsillo–, como principal herramienta para grabar e incluso editar y distribuir nuestras creaciones audiovisuales.

El Decálogo se presenta en una web www.territoriomovil.net/decalogo, en cuatro idiomas (euskera, castellano, inglés y francés), desde la que además pueden descargarse los vídeos para el móvil y puede encontrarse información complementaria sobre edición, web 2.0 o licencias y herramientas libres.

En Boadilla hay un taller-escuela forestal y de jardinería, los jóvenes que participan en él son casi adolescentes. Muchos son víctimas del fracaso escolar, o precoces desempleados, algunos llevan años dando tumbos y otros están en el taller por hacer algo…Todos tienen una cosa en común; no encuentran su sitio. La mayoría son jóvenes en serio riesgo de exclusión social que pese a su juventud conocen muy bien la calle.

Durante el año y medio que dura este proyecto los monitores y profesores pretenden darles una salida profesional digna. Para no abandonar la escuela cobran un sueldo por sus trabajos forestales para el ayuntamiento mientras se forman. Una vez acabado el taller muchos vuelven a su mundo de trapicheo, otros regresan al paro, y algunos encuentran un horizonte que nunca hubieron sospechado.

Rober es uno de sus monitores, nos cuenta mil historias de ellos, historias duras y complejas, a veces divertidas y otras amargas…Los chicos confían en él y le piden consejos que no se atreverían a pedir a nadie más sobre la tierra.

A veces la fotografía “explica a cada hombre” como nos sugirió Steichen en The Family of Man. En los ojos de estos chicos interpretamos o imaginamos sus temores y sus esperanzas, o quizás veamos los nuestros. Sus miradas son desafiantes, esa valentía indómita del que tiene todo por delante, del que “no se corta”.

Desgraciadamente el Taller-Escuela vive de las subvenciones y estos años de crisis y recortes complican su funcionamiento. Mientras habrá que seguir cortando leña.

Fotos


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Zaunka realiza en esta ocasión el vídeo-documental del proyecto TDF Signo, englobado dentro del Tenerife Design Festival 2009.

TDFSigno es un proyecto basado en la exploración, experimentación y cooperación entre diseñadores del panorama actual e industrias y artesanos tinerfeños. TDFSigno tiene un desarrollo que empieza en los meses previos al festival; por tanto, se trata de todo un proceso de trabajo creativo y de colaboración. Durante cinco meses, diseñadores, industriales y artesanos trabajan para generar las herramientas que sentarán las bases de la creación y el desarrollo de nuevos productos, que incorporarán componentes frescos e innovadores, ayudarán a reforzar la identidad canaria y potenciarán su proyección internacional.

Este documental narra el primer viaje de contacto entre los distintos protagonistas del proyecto.

TDF SIGNO from zaunka on Vimeo.

Taller de El Ultimo Grito y Zaunka en la Fundación Claudio Buziol. Venecia, Julio 2009

Como creadores usamos el poder de observación y análisis para influenciar nuestro entorno y las maneras en las que nos relacionamos tanto con éste, como con otros individuos. En este taller se busca identificar y documentar diferentes usos del espacio público e interacción social en un lugar tan particular como es Venecia, donde el peso histórico, su geografía y el impacto del turismo es una influencia inevitable en la vida de sus ciudadanos y en los comportamientos de sus visitantes.

Para la producción de la obra nos proponemos cuestionar las limitaciones de los dispositivos de captura y representación de imágenes. La forma y función de los mismos y el tipo de imagen que reflejan están vinculadas directamente a los medios.

La mayoría de nosotros asume la imagen tecnológica como parte de nuestro paisaje conceptual equiparándola con lo real. Nos olvidamos con facilidad de que los paradigmas visuales son culturales y por tanto son fácilmente alterables.

Canaletto lo sabía, conocía perfectamente los límites de los medios, el uso de la Camera Obscura y su profundo conocimiento escenográfico son responsables de que sus vistas (veduta) configuren una idea visual de la ciudad de Venecia que se mantiene incluso en nuestros días. Canaletto quizás fue el primer incidental observer de Venecia.

As creatives we use the power of observation and analysis to influence our environment and the ways in which we interact with it and with other people. In this workshop the aim was to search, identify and document different uses of the public space and social interaction in such a particular place as Venice, where the historical weight, its geography and the impact of tourism are inevitable influences in the daily life of its citizens and in the behaviour of its visitors.

It was central, for the production of the works, to question the limitations of the devises we use to capture and represent images, and the understanding of how the medium affects the type of image we obtain and how this image is read.

Most of us assume the technological image as part of our conceptual environment accepting it as real. We easily forget that the visual paradigms are cultural, and therefore, they are easily manipulated.

Canaletto knew it, perfectly aware of the limits of the medium. The use of the Camera Obscura and his deep scenographic knowledge are responsible for the fact that his views (veduta) configure a visual idea of the city of Venice that has been kept to even our days. Perhaps Canaletto was the first Incidental Observer of Venice.

Incidental Observers from zaunka on Vimeo.

Camera Obscura

Camera Obscura from zaunka on Vimeo.

trabajos de los participantes/ participants’ works

Students’ works of “Incidental Observers” from zaunka on Vimeo.

Fotos/Workshop images


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Uno de los grandes misterios de la fotografía es su afán por crecer desde dentro, esto explica esa fascinación que producen ciertas fotografías que en su momento tuvieron una función lejana y difusa, pero que día a día se van rebelando contra sí mismas posibilitando narraciones y lecturas nuevas, historias en las que creemos descubrir verdades ocultas, y misterios nunca contados.

La fotografía justifica hasta tal punto la experiencia de observar que apenas comprendemos el acto de mirar si éste no se plasma en una imagen. Quizás éste sea uno de los grandes dramas del hombre contemporáneo la constatación de la célebre afirmación de Émile Zola en la que dudaba de la existencia de lo que no ha sido fotografiado. Fotografiar es un acto de leve resistencia a la muerte, es la continua y elemental reivindicación del “yo estuve allí”.

Así la foto va transformándose desde lo que realmente fue a “lo que podría haber sido”, en una suerte de imagen mitológica, que evoca un tiempo y un lugar en el que los acontecimientos podrían haber sido diferentes de los que realmente fueron. La fotografía se obstina tercamente en recordarnos lo que pudo haber sido y no fue.

La serie Mojacar es un ejercicio perezoso de fin de verano, una serie de imágenes que nos hablan de algo que está a punto de desaparecer, un paisaje optimista que en invierno pierde sentido convirtiéndose en una realidad extraña y carente de sentido. Un paisaje que queda suspendido esperando que la siguiente primavera le dote de significado.

La pereza de estas fotos pretende acercarse a esa idea de la “lentitud de la mirada” de la que Grabriele Basilico habla al referirse a Walker Evans y a Atget, pero también a Canaletto y Belloto. Los lugares, como las personas, son a la vez singulares y universales, así cada lugar es único pero a la vez posee innumerables analogías con otros lugares y esto es lo que despierta en nosotros esa inquietante sensación de “déjà- vu”.

Una observación contemplativa, sin acción evidente, en la que es el espacio sugiere la idea de tiempo.

Fotos


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Zaunka se asocia de nuevo con Basurama para documentar el taller “Diseño de Sobra 09” en el Matadero de Madrid.

“Diseño de Sobra 09” es de un Taller Express de creatividad que tuvo lugar en Matadero Madrid entre los días 31 de marzo y cuatro de abril de 2009. Partiendo de residuos de embalaje recogidos en las calles comerciales del centro de Madrid se proponen estrategias de creación que dan como resultado elementos para la dinamización de espacio públicos.

Durante cada una de las cinco sesiones de trabajo (de martes a sábado) se trabajó en una de las naves del Matadero Madrid analizando diferentes procedimientos y formas de intervenir el material encontrado.

Una labor de exploración de las posibilidades de los residuos mediante operaciones muy sencillas. Estas rápidas intervenciones permiten establecer relaciones a diferentes escalas: inicialmente con nuestro propio cuerpo, más adelante con el mobiliario que nos rodea, luego con el propio espacio que nos rodea y finalmente en el contexto urbano más amplio.

Se generaron procesos de intervención, muchas veces efímeros, en los que el diseñador se aleja del objeto y se convierte en un generador de condiciones para potenciar la creatividad espontánea de los usuarios.

Todo el proceso de investigación, producción y acción ha sido documentado por ZAUNKA y Basurama, con la finalidad de realizar una publicación con los resultados obtenidos.

Zaunka ha efectuado una labor de registro utilizando técnicas de vídeo, animación y fotografía, de este modo las propuestas de los participantes pueden ser analizadas

Video del taller

Diseño de sobra 2009 from zaunka on Vimeo.

Fotos del taller

Ediciones pneumáticas y Zaunka presentan un video musical de Germán Copini, producido por Astray y con dibujos de Ginés Martínez.

Mis vinilos from zaunka on Vimeo.

La sordera del rocanrol.
En el año 1972 en que nací no había tiendas de discos en mi ciudad. Estos objetos, los discos, no se vendían en negocios específicos, sino que algunos luthiers vendían los de música clásica, y en las tiendas de electrodomésticos se vendía la música popular: desde la copla al rocanrol y los boleros. En los grandes almacenes de ropa y complementos sólo podían encontrarse discos de moda y novedades en una pequeña sección de no más de un par de estantes. Podría decirse que entonces el negocio de la música enlatada ocupaba un lugar más propio en el universo: cerca de los músicos, los tocadiscos y los pantalones tejanos.

En casa nunca tuvimos en propiedad ninguno estos objetos que yo llamo discos aunque debemos entender también aludidos todos los demás formatos que la industria discográfica ha explotado. Eran tiempos cercanos ya al fenómeno contemporáneo de la omnipresencia musical: mi primera pieza en propiedad fue regalo de mi tía, la adquirió en un quiosco. A los ocho años de edad comencé una colección de clásicos del jazz publicados por una editorial que se dedicaba a las enciclopedias por fascículos, con una cassette de Ella Fitzgerald, ya que no teníamos tocadiscos. El espectacular desarrollo de los productos tecnológicos de nuestros días habría hecho imposible que existiese hoy un hogar sin reproductor. Su rápido avance también nos permite ver inmediatamente su próxima decadencia: de las ventanas y balcones cuelgan discos digitales por los que se ha pagado incluso por los derechos de la propiedad intelectual de su autor, con la única finalidad de espantar a moscas y palomas, animales impasibles que viven sin conflictos las transformaciones del medio urbano. Por otro lado la omnipresencia musical que mencionaba no da por sentado que seamos conocedores del soniquete que nos acompaña allá donde estemos. Es decir, que vivimos ignorantes, sumergidos en un medio que desconocemos, en un planeta que es una caja de resonancias. De hecho, deberíamos hablar de la parte de la historia musical anterior a los discos o a la radio del mismo modo del que se habla de la cultura antes de la imprenta.

Al igual que la fotografía supuso una quiebra en la representación que implicaba la necesidad de que todo fuese fotografiado, los primeros fonógrafos vaticinaban las grabaciones de cantos de pájaros, los cursos de idiomas o las risas grabadas, fundamentales en los espectáculos modernos. Así la música corre hoy también el riesgo de convertirse en un objeto prefabricado parte de nuestra decoración.

Para cuando pisé por primera vez una tienda especializada la televisión pública ya emitía videoclips, había en la radio cadenas que sólo programaban música y pese a ser increíblemente más lento que hoy, el transito de los discos era frenético entre las personas. Las copias piratas circulaban por los mercadillos en grandes cantidades, aunque esto hoy ha llegado a un extremo, merced a los equipos domésticos de reproducción, que deja en evidencia a los propios fabricantes. Bien visto, la mejora en la calidad de los equipos, las grabaciones, etc., solo ha venido a poner las cosas fáciles a esa parte sumergida del negocio, que en otros tiempos, ofrecía además, materiales despreciados por la industria pero de gran utilidad para los aficionados, como grabaciones en directo, entrevistas en programas de radio, etc.

En los viajes que hice por aquellos años visité tiendas y mercados de discos de todo el mundo. Como digo, había graves problemas de distribución, no obstante era sorprendente encontrar mercados de discos en algunos rincones en los que la existencia de tocadiscos era imprevisible; y este era el modo de encontrar algo nuevo pero también de constatar que era un fenómeno muy extendido en casi todo del planeta. Cualquier paraje es susceptible de convertirse en el escenario de un concierto de rocanrol al que asistirán millones de personas.

Pasé más de cinco años trabajando en un chiringuito de mi ciudad que antes había sido un puesto clandestino en el rastro y que mantuvo como costumbre nostálgica seguir abriendo al “público” los domingos por la mañana. En él descubrí algunos usos insospechados de la música que intentaban dar una dimensión mayor a un fenómeno que en el mejor de los casos era algo pasajero y en el peor una patología.

Durante un periodo de la vida de las personas, que generalmente coincide con la adolescencia, la base de su alimentación es su discografía. Este es uno de los trastornos de la alimentación más comunes y suele provocar anemias mentales y raquitismo moral. Parece que toda la literatura, toda la estética y la filosofía se adquieren allí a modo de un empacho bulímico.

En las tiendas se podían probar los discos, podías pedir que sonasen algunas canciones, pero sobre todo, los discos se ojeaban. En todas las tiendas se colgaba el cartel de “cajas vacías”,decían, para evitar robos. Había una especie de gramática plástica en las portadas que permitía identificar su aspecto con ciertos sonidos: la música clásica utilizaba a los maestros de la pintura hasta los impresionistas; el jazz y los experimentales, las vanguardias de principios del veinte; la electrónica, el diseño industrial y los ordenadores; y el rocanrol, el collage, los tebeos, etc. Todo este tinglado ha desaparecido y en los modernos reproductores digitales de música puede leerse “artista desconocido. pista 1” siendo ésta toda la información visual que acompaña a la canción en la mayoría de los caso. No obstante, es significativo que la información adicional de los discos fueran fotografías, créditos de todo tipo y datos técnicos complejísimos como las guitarras y amplificadores usados y nunca, bajo ningún concepto, partituras cifradas o alusiones a la escritura musical, acordes, tempos, etc. Está claro que lo importante no es cantar en el tono sino apretar el play y repetir con los mismos gestos lo que dice el cantante. El videoclip , en ese sentido daba muchas más claves para esa mimetización. Los videojuegos con guitarras de plástico, el Karaoke y las sesiones de fotos de moda juvenil son sólo algunos de los excesos de esta tendencia.

Este pude ser un panorama pseudoapocalíptico: un recorrido lleno de cadáveres que vienen a las playas a morir como grandes cetáceos. Hace unos días para vacunarme de la nostalgia vendí mi colección de discos por dos chavos. Cuando volví a una tienda de discos para comprar unas carpetas de discos usados que necesitaba para montar esta exposición me cobraron diez céntimos de euro la pieza, con el vinilo en perfecto estado incluido. Aunque se que por mis discos están pagando fortunas en las páginas de subastas para coleccionistas, ahora sería incapaz de recordar algún producto con un precio tan bajo.

Este proyecto supone una reflexión abierta sobre la omnipresencia del consumo en nuestra vida. El proyecto se articula a través de diferentes prácticas que se agruparán a modo de episodios. A través del recurso documental se propondrán acercamientos a la realidad de consumo en la que estamos inmersos, atendiendo especialmente a ciertos replanteamientos críticos de la realidad contemporánea.

Desde Zaunka se propone varias líneas de investigación (Shopnothing.org, Best before, Money talks, Consuption landscapes, Cons illness…). El objetivo final se concreta en un proyecto documental de creación, en el cual diversas prácticas se integran a modo de capítulos.

cuerpo/consumo-body/consumption

“La humanidad que en los tiempos de Homero era un objeto de contemplación para los dioses olímpicos, ahora es un objeto de contemplación para sí misma. Su auto alienación ha alcanzado tal grado que puede experimentar su propia destrucción como placer estético de primer orden.”
Walter Benjamin, Iluminaciones, 1936

La lógica paranoide del consumo hace mucho que ha traspasado la barrera de lo objetual. El objeto de consumo ya no tiene por qué tener forma, por qué ser cosa.

En ese contexto el propio cuerpo humano se convierte en uno de los principales objetos de consumo. Las revistas, la televisión, internet, están repletos de cuerpos por y para el consumo, esto explica el espectacular incremento de operaciones estéticas de todo tipo, el auge de los tatuajes y los piercings, o las elevadas ventas de medicamentos milagrosos para mejorar nuestro aspecto.

Curiosamente todo esto se produce en un momento en el que las relaciones personales son más incorpóreas que nunca, el ordenador, la televisión, la vídeo consola nos ponen en relación con otros cuerpos, cuerpos virtuales, fragmentados y retocados; cuerpos manieristas, sofisticados y barrocos. La vehemencia de los medios hace que no distingamos claramente el límite entre los cuerpos reales y los cuerpos virtuales, pero la verdad es que nos da igual…

» Fotos

shopnothing.org [maquinado por 06/08]

En internet todo se compra. Internet se revela como el lugar de consumo natural del ciudadano del siglo XXI, lo que no está en la red simplemente no existe.

La web produce una serie de pistas que nos perfilan como potenciales consumidores, tiene elementos especializados en estudiar las trazas de consumo de los individuos partiendo de diversos parámetros (desde nuestras conversaciones por e-mail, el historial de lo que compramos a través de Internet, o las páginas que visitamos).

www.shopnothing.org pretende poner de manifiesto hasta dónde puede llegar el impulso de consumo on-line, con esta experiencia ofrecemos la posibilidad al usuario de comprar NADA por la irrisoria cifra de 1$.

Somos lo que comemos

Somos lo que comemos from zaunka on Vimeo.

El primer acercamiento a la comida suele ser visual, el aspecto de un alimento hace que éste se muestre más o menos atractivo incluso antes de haberlo probado u olido. Sin duda nuestra cultura ha potenciado tanto lo visual, que el Arte, en mayúsculas, se vincula en mayor medida a lo visto que al resto de los sentidos. Criterios principalmente visuales intervienen en la aceptación o rechazo de los alimentos, algo que no se adecúe a nuestros criterios estéticos es descartado como apetecible.
Tradicionalmente el aspecto y la naturaleza de la comida tenían que ver con la identidad de los pueblos, las religiones permitían o prohibían el consumo de ciertos alimentos. La tradición hebrea, por ejemplo, no permite mezclar carne con leche, eso explica la posibilidad de elegir entre postre lácteo y gelatina en los menús infantiles de los restaurantes de comida rápida, tampoco les permite comer peces sin escamas y aletas (quién me garantiza las escamas y aletas de un FishBurger). Para los musulmanes es pecado comer carne de cerdo, me pregunto cómo calificaría el profeta un Menu Big King XXL, y para los cristianos el pan y el vino son sagrados, no lo debemos olvidar cuando compremos un baggette congelada, del Don Simón ni hablamos.
Evidentemente la comida se convierte en una metáfora visual del mundo en el que vivimos. Hoy en día en un entorno globalizado se intentan minimizar o incluso evitar las señas de identidad de los alimentos en pro de una mayor posibilidad de negocio. El aspecto de las comidas debe ser a la vez atractivo y políticamente correcto.
En esta tendencia creemos ver aspectos relacionados con la infantilización de las sociedades occidentales contemporáneas. La vida se entiende en un sentido muy superficial, casi infantil, basada en arquetipos de ficción. La comida no puede sustraerse de estas corrientes, y hoy en día muestra también un aspecto ficcionado. Se separan los alimentos de su origen real para situarlos en un plano estético ilusionista de evidentes conexiones Pop, sirva el Palito de Cangrejo (surimi) como ejemplo de lo que quiero expresar.
La presencia de Ferrán Adriá en la Documenta XII puede darnos una idea de las nuevas relaciones entre Arte Plástico y comida. El Eat Art es algo que comenzaron tímidamente los surrealistas pero que explotaron como nadie los artistas Pop, las sopas de Warhol, las hamburguesas de Oldenburg, o las salchichas de Rosenquist dan buena fe de ello. Esa aceleración Pop que vive nuestra sociedad hace que un gran número de los alimentos que consumimos se conviertan en productos de estética claramente Pop, y si no que se lo pregunten a Martin Parr.
Con “Somos lo que comemos” hemos querido realizar un documental de lo cotidiano, hemos fotografiado alimentos con una frialdad e indolencia cercana al archivo. Una cartografía de lo que somos a través de lo que comemos.

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Zaunka se asocia de nuevo con El Último grito para realizar el vídeo/poema NOWASTEEUR, a laborious poem.

Esta obra consiste de una vídeo/instalación montada en la feria de diseño CasaPasarela, que ha tenido lugar durante los días 14,15,16 y17 de febrero en el IFEMA de Madrid.

Utilizando el material de desecho que se genera en el montaje de dicha feria EUG hace una reflexión sobre diseño, arte, poesía y reciclaje. Partiendo de unas enormes letras/cojín rellenas de material procedente del desembalaje se ha escrito un poema, que sólo cobra sentido a través de la vídeo grabación.

Las letras han permanecido durante los cuatro días en el Hall de entrada a modo “Chill Out”, invitando a los visitantes tanto a descansar como a generar nuevos textos.

NOWASTEEUR, a laborious poem from zaunka on Vimeo.